Punctat de roiuri colorate de baloane, boleroi neobosiți și cilindri dornici să iasă în evidență, Alameda găzduiește plimbători, copii, îndrăgostiți și cei care, din dorința de a face ceva mai bun, ocupă o bancă.
Deși este interzis să pășești pe iarbă, verdele invită la odihnă și la exprimarea deplină a aranjamentelor de duminică și festive: corpul scăldat, părul parfumat și ținuta luminoasă (cu siguranță nouă) propiciază petrecerea în poziție orizontală, acolo lângă o figură alb care apare timid în goliciunea ei marmorată, mângâind un porumbel agățat de pieptul de piatră. Mai departe, doi gladiatori se pregătesc pentru luptă într-o atitudine reținută în moduri foarte albe. Dintr-o dată, în fața lor, o fată trece pe lângă ea, scuturând rozul unui „bumbac” excesiv, care în depărtare se transformă într-un mic punct timid, în confeti trecători.
Și în ziua însorită și sufocantă de la ora 12:00, când are loc ritualul obișnuitului weekend, se pare că Alameda a fost întotdeauna așa; că cu acea înfățișare și acea viață s-a născut și cu ei va muri. Doar un eveniment extraordinar, un dezechilibru care rupe ritmul impus: un cutremur, distrugerea unei sculpturi, un marș de protest, asaltul nocturn al unui trecător, va face pe cineva să se întrebe dacă nu a trecut timpul prin Alameda.
Memoria istorică reconstituită prin decrete, laturi, scrisori, narațiuni ale călătorilor, știri, planuri, desene și fotografii indică faptul că efectele timpului asupra vieții unei societăți au modificat aspectul Alameda. Vechea sa biografie datează din secolul al XVI-lea când, la 11 ianuarie 1592, Luis de Velasco II a ordonat construirea unui bulevard la marginea zonei urbane unde, evident, trebuiau să fie plantați plopi, care în cele din urmă s-au dovedit a fi frasin.
Considerată prima plimbare mexicană, elita societății din Noua Spanie s-ar aduna în grădina labirintică. Pentru ca oamenii desculți să nu păteze mirajul verde al celor bogați, în secolul al XVIII-lea a fost așezat un gard de-a lungul întregii sale periferii. Tot la sfârșitul acestui secol (în 1784) a fost reglementată circulația mașinilor care treceau de-a lungul drumurilor sale de sărbători, după ce avea numărul exact al numărului mare de mașini din capitală: șase sute treizeci și șapte . În cazul în care cineva se îndoia că o astfel de cifră era reală, autoritățile au anunțat că persoanele de la care au fost obținute datele vor fi de încredere.
Odată cu secolul al XIX-lea, modernitatea și cultura au preluat Alameda: primul ca simbol al progresului și al doilea ca semn al prestigiului, două motive pentru încrederea în viitor pe care societatea recent eliberată a căutat-o. Din acest motiv, copacii au fost plantați în mod repetat, au fost instalate bănci, au fost ridicate cafenele și saloane de înghețată, iar iluminatul a fost îmbunătățit.
Bandele militare au lărgit atmosfera parcului și umbrelele au contractat privirea care s-a mutat apoi la o pradă sau la batista căzută și au revenit din vârful unui baston. Lordul Regidor de Paseos, s-a străbătut cu biroul său municipal și a obținut faimă pentru reformele sale arborice și pentru imaginația sa aplicată la firul de fântâni din fântâni. Dar obiecțiile au jucat o controversă amară atunci când cultura a luat forma lui Venus, întrucât evlavioasa societate porfiriană nu a observat frumusețea, ci lipsa hainelor acelei femei goale într-un parc și în vederea tuturor. De fapt, în acel an din 1890, cultura făcea eforturi pentru a prelua, chiar dacă era o zonă foarte mică, renumita promenadă a capitalei.
Statuia
Deja în secolul al XX-lea, s-ar putea crede că atitudinea față de o statuie care recreează corpul uman s-a schimbat, că reeducarea cetățenilor dincolo de școală și de acasă, în cinematografe sau acasă în fața televizorului, a deschis sensibilitatea la frumusețea limbajului pe care imaginația artistului o oferă cu spații și forme umane. Sculpturile prezente ani de zile în Alameda dau seama de acest lucru. Doi gladiatori într-o atitudine de luptă, unul pe jumătate acoperit cu o pelerină care atârnă de brațul său și celălalt în nuditate sinceră, împărtășesc fundalul împădurit cu o Venus cu o atitudine delicată pe care o pânză o recuperează atunci când acoperă partea din față a corpului ei și este reiterată de prezența a doi porumbei.
Între timp, pe două piedestale joase, din mâna celor care circulă pe Avenida Juárez, zac figurile a două femei care se dezvoltă în marmură cu corpul cu fața în jos: una cu picioarele îndoite într-o minge și brațele drepte lângă capul ascuns într-o atitudine de tristețe; cealaltă, în tensiune datorită unei atitudini sincere de luptă împotriva lanțurilor care au supus-o. Corpurile lor nu par să-l surprindă pe trecător, nu au provocat nici bucurie, nici furie de zeci de ani; pur și simplu, indiferența a relegat aceste figuri în lumea obiectelor fără direcție sau sens: bucăți de marmură și atât. Cu toate acestea, în toți acei ani în aer liber au suferit mutilări, și-au pierdut degetele și nasul; iar „graffiti” malițioși au acoperit corpurile acelor două femei culcate numite Désespoir și Malgré-Tout în franceză, urmând moda lumii de la începutul secolului în care s-au născut.
O soartă mai gravă l-a târât pe Venus până la distrugerea sa totală, pentru că într-o dimineață s-a trezit anihilată cu lovituri de ciocan. Un nebun înfuriat? Vandali? Nimeni nu a răspuns. Cu siguranță, bucățile Venusului au patat alb podeaua vechii Alameda. Apoi, în tăcere, fragmentele au dispărut. Corpusul delicat a dispărut pentru posteritate. Femeia naivă sculptată la Roma de un sculptor aproape copil: Tomás Pérez, discipol al Academiei din San Carlos, trimis la Roma la, conform programului pensionarilor, perfecționându-se la Academia din San Lucas, cel mai bun din lume, centru al artei clasice unde au sosit artiști germani, ruși, danezi, suedezi, spanioli și, de ce nu, mexicanii care au trebuit să se întoarcă pentru a da glorie națiunii mexicane.
Pérez a copiat Venus de la sculptorul italian Gani în 1854 și, ca o mostră a progreselor sale, a trimis-o Academiei sale din Mexic. Mai târziu, într-o singură noapte, efortul său a murit din cauza întârzierii. Un spirit mai benign a însoțit cele patru sculpturi rămase de la vechea plimbare până la noua lor destinație, Muzeul Național de Artă. Din 1984 s-a comentat în ziare că INBA a avut intenția de a scoate din Alameda cele cinci sculpturi (mai exista Venus) pentru a le restabili. Au fost cei care au scris cerând ca îndepărtarea lor să nu fie cauza unor dezastre majore și care au denunțat deteriorarea lor, sfătuind ca DDF să le predea INBA, deoarece din 1983 Institutul și-a exprimat interesul de a le pune în mâinile restauratorilor profesioniști. În cele din urmă, în 1986, o notă afirmă că sculpturile adăpostite din 1985 în Centrul Național pentru Conservarea Lucrărilor Artistice ale INBA nu se vor mai întoarce în Alameda.
Astăzi pot fi admirate perfect restaurate în Muzeul Național de Artă. Locuiesc în hol, un loc intermediar între lumea lor anterioară în aer liber și sălile de expoziții ale Muzeului și se bucură de o îngrijire constantă care previne deteriorarea lor. Vizitatorul poate înconjura cu calm fiecare dintre aceste lucrări, gratuit, și poate învăța ceva despre trecutul nostru imediat. Cei doi gladiatori în mărime naturală, creați de José María Labastida, afișează pe deplin gustul clasic atât de la modă la începutul secolului al XIX-lea. În acei ani, în 1824, când Labastida lucra în Monetăria Mexicană, el a fost trimis de Guvernul Constituent la renumita Academie din San Carlos pentru a se antrena în arta reprezentării tridimensionale și a reveni pentru a crea monumente și imagini. de care avea nevoie noua națiune, atât pentru formularea simbolurilor sale, cât și pentru exaltarea eroilor și momentele culminante din istoria care urma să fie creată. Între 1825 și 1835, în timpul șederii sale în Europa, Labastida a trimis acești doi gladiatori în Mexic, ceea ce poate fi considerat o aluzie alegorică la oamenii care luptă pentru binele națiunii. Doi luptători tratați cu un limbaj calm, cu volume moi și suprafețe netede, colectează într-o versiune completă fiecare dintre nuanțele musculaturii masculine.
În contrast, cele două figuri feminine recreează gustul societății porfiriene de la începutul secolului, care are ochii ațintiți asupra Franței, ca campion al vieții moderne, cultivate și cosmopolite. Ambele reproduc lumea valorilor romantice, a durerii, a disperării și a chinului. Jesús Contreras, când a dat viață lui Malgré-Tout în jurul anului 1898, și Agustín Ocampo, când a creat Désespoir în 1900, folosesc un limbaj care vorbește despre corpul feminin - eliberat la al doilea termen de academiile clasice -, combinând texturi netede și aspre, femei languide. pe suprafețe aspre. Contraste care necesită experiența emoției imediate asupra reflecției care va veni mai târziu. Fără îndoială, vizitatorul va simți același apel, din spatele sălii, atunci când contemplă Aprés l’orgie de Fidencio Nava, un sculptor de la începutul secolului care a lucrat cu același gust formal asupra femeii leșinate în opera sa. O sculptură excelentă care, datorită intervenției consiliului său de administrație, anul acesta a devenit parte a colecției Muzeului Național de Artă.
O invitație de a vizita Muzeul, o invitație de a afla mai multe despre arta mexicană, sunt aceste nuduri care trăiesc în interior și ale căror imitații de bronz au fost lăsate în Alameda.
