În spatele „marionetelor” de lut imaginate de Adolfo Riestra există un impuls stilistic frenetic. Nici o contingență nu a limitat sau a conținut acel formidabil torent expresiv care a fertilizat diferite regiuni ale artei contemporane.
Formalismul riguros al sculpturilor realizate în principal în ultima etapă a producției - hieratică și severă, în timp ce ușoară și revelatoare a unei poziții critice indubitabile față de artă - confirmă libertatea cu care acest artist a întreprins calea spre desfășurarea unui personalitate destinată să rupă cu o tradiție avantajoasă și „folclorizată” în lut și ceramică, pentru a o ghida într-o direcție inovatoare.
În lucrarea sa sculpturală, reminiscențele vechilor civilizații și culturi dispărute cu secole în urmă nu prezintă caracterul unui abandon grațios și nici nu se sărbătoresc cu un manierism retoric care evocă măreția din alte timpuri. Revizuirea asupra căreia Riestra a insistat de-a lungul vieții sale a avut tendința mai degrabă de a pătrunde în conținutul plastic al antichității pentru a le profana și a-i dezbrăca de acea halouă de măreție pe care rațiunea modernă - de la Renaștere până în zilele noastre - a fost însărcinată să o evidențieze.
Lucrări de demolare, urlet răgușit de protest împotriva unui întreg întreg care, ca balast, ascunde căutarea, este tocmai cursul pe care intră pentru a ajunge la un teren liber, fără ierarhii valorice care să justifice mediocritatea sau fatuitatea conformistă și trucată. o lume infectată cu ipocrizie. Nechibzuința cu care și-a executat opera depășește schemele din spatele avangardei și stereotipurile unei societăți fără Dumnezeu îmbrățișate de jargonul artei de dragul artei. Pintenii pedepsei care au fost aduse în anii cei mai fecundați ai producției sale sculpturale, au fost obstacole asumate cu conștiința deplină a cauzei pentru a pătrunde adânc în paradoxurile care însoțesc deseori creatorul doar angajat în munca sa. El nu a renunțat niciodată la scopul de a găzdui apariția artei și întotdeauna, atent la cea mai mică trăsătură accidentală în concordanță cu procesul de lucru în sine, a insistat iar și iar, corectând până când a fost mulțumit de creația sa. Susținut de acest atac sinuos asupra problemelor plastice formulat de imaginația sa, el a oferit soluții și a definit ceea ce am putea numi „voința de stil”.
Adolfo Riestra a observat foarte devreme puterea și bogăția desenului, linia rapidă, spontană, liberă și fără prejudecăți de grafit pe hârtie, din care a stabilit o axă pentru a decide calea adecvată către sculptură. Voluminosul dosar cu cerneală, care, în unele cazuri, deține mici prodigi, este o mărturie antecedentă și fidelă a unei nevoi tehnice de a recunoaște preeminența integrativă pe care o linie simplă o conține pentru fundamentarea spațialității, a tridimensionalității sculpturale. Exploatarea desenului a stat la baza stăpânirii sale geometrice, care a servit mai târziu ca o balama pentru a dezlega logica figurării, valorificată în cele din urmă în lucrările sale majore realizate în lut. Preocupările creative ale acestui artist s-au concentrat pe ritmul amețitor al ideilor și viselor care l-au ținut pe margine, dar care, în cele din urmă, când au fost împinse la suprafață și le-au lăsat să respire în acele schițe, au devenit matricea pieselor sale. reprezentant. În acest sens, Adolfo Riestra a folosit desenul ca condiție de ipoteză pentru o dezvoltare ulterioară, atât în picturi, cât și în teracotă.
Deși este adevărat că în sculptură creativitatea sa a atins tensiunea expresivă maximă, pictura nu a fost mai puțin decisivă în procesul de cercetare plastică. La fel ca desenul, pictura era pentru Riestra o obsesie pe care nu o putea scutura niciodată. Mai mult, fără aceasta, lucrarea sa sculpturală ar fi lipsit de conținut, deoarece știa că cunoștințele pictorului de a păstra profunzimea spațiului pe plan erau esențiale în lucrările sculpturale. Pictura a fost „materie primă” - merită exprimată - pentru consolidarea „ideilor” sale, un fel de instrument din care, fără a-și pierde valabilitatea inerentă, a luat forma sculptura. Aceasta și pictura au fost două momente concomitente în opera Riestra, ambele hrănite și afișate particularitățile modurilor lor de operare respective. Lupta dintre cele două trasee i-a alimentat viziunea artistică asupra lumii: puterea coloristică a paletei sale a întărit valorile orgiastice ale picturii, iar tonul natural al lutului i-a permis să accentueze căldura și drama sculpturii provenite din atelierul său.
Legătura dintre cele trei aspecte - desen, pictură și sculptură - alcătuiește cursul unui proces creativ susținut de intuiție - mai mult decât rațiune speculativă -, entuziasmat cu scopul de a genera ceea ce am putea numi o „operă de artă”. Tehnica sa rafinată, ca o frânghie bine temperată, i-a permis o execuție precisă - chiar și în cele mai deranjante piese -, în afara oricărei reîncărcări care ar putea dilua conținutul de forță al lucrării. Cu toate acestea, măiestria tehnică, altfel indispensabilă, deși o problemă decisivă pentru Adolfo Riestra, nu a fost disproporționat de valoroasă. Acest lucru este esențial pentru înțelegerea călătoriei sale, deoarece conștientizarea problemei tehnice și a abilităților manuale au fost condiții inevitabile în dezvoltarea sa, dar niciodată scopul final, așa cum o atestă o mare parte a producției sale. Știa foarte bine că valorile artei nu se măsoară doar în termeni de îmbrăcăminte, ci o implică și o depășesc. Transformarea artistică a materialului presupune un efort suplimentar: să tipărească pe lut, pe lângă fabricație, ceea ce „face să răsune tăcerea” (Gelaut der Stelle, așa cum ar spune Heidegger) pentru a-și realiza „descoperirea” în „decorul prin lucrarea adevărului ”. În acest context, fiecare lucrare, fiecare linie sau apăsare, orice idee modelată este plasată într-o perspectivă istorică, într-un proces evolutiv și în crearea operei de artă unde este înscris adevărul și se află propria experiență a artistului asupra lumii.
Creșterea este un semn de vitalitate care se sintetizează în echilibrul realizat între formă și conținut, funcție dublă și sămânța inaugurală și inovatoare a unui limbaj singular, tipic fiecărui act subversiv, de rupere a realității care este proiectat spre un orizont care urmează să fie definit. modalitățile unei epoci. Este clar că Riestra impune un limbaj și condiționează experimentarea în acest domeniu în care originalitatea în cel mai strict sens a fost pusă la îndoială. Ruptura permite progresele înțelese ca o recuperare a condiției umane și nu ca un cult al progresului bazat pe acumularea de informații pe care științificul tehnocratic o cochetă atât de mult.
De la o lucrare la alta, în fiecare lucrare întreprinsă, Adolfo Riestra reușește să reflecte omul într-un joc de oglinzi, din care privitorul, împreună cu artistul, întemeiază, creează și remodelează „viziunea înghețată” (așa cum ar spune Cuesta) pentru a anima surprinde și pătrunde în misterul artei. Invenția unui limbaj este cel mai important lucru, dar cu condiția să permită relația creator-spectator.
Făcând o trecere în revistă minuțioasă a desenului, picturii și sculpturii Riestre, ne găsim confruntați cu evoluția îmbătătoare a unui spirit dionisian aflat într-un conflict permanent, concentrat într-o permanentă luptă în care viziunea tragică a vieții, adică a artei, este de neevitat. Privitorul, la rândul său, avertizează și participă la libertatea latentă în limbajul acelor reprezentări care permit haosului, prăpastiei, care fără un fund să fie înțeles să fie cuprins doar prin intermediul formei, care, devenind evidentă, rupe cu monotonia mică viață de zi cu zi.
Reflecțiile lui Adolfo Riestra sunt surprinzătoare în opera sa: devin „lucruri” extraordinare, hrănite de ceea ce Kundera a numit „ușurătatea insuportabilă a ființei”.
